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3匹のウサギ（父親、母親、継父の3人）の娘を育てることは、ユニークな経験でした。私は聖職者に自分を参加させることを考えなかったし、私の身体に刺青したり、私の両親が選んだ職業に反抗する行為として無神論者になったりもしなかった。

私の仲間の多くがそうしていたように、退屈で、非捻れの出来事では、私は説教者または反説教者の子供になれませんでした。私は若い時大好きな音楽と、私が妹に会うために、シナゴーグに行くのが大好きでした。年を取ったとき、ロシュ・ハシャナは新しい年を意味するだけでなく、新しい衣服（古い服の中で高貴な日々に出てくるだろうか？）を知りました。

 

今日まで、私の子供の家のクローゼットにぶら下がっているのは、私と私の妹のシャールコートです。キッパのような正式で宗教的な衣服ではなく、父が私たちのために購入した服で、私たちが着用したシャバットのドレスを着用します。

 

 

私にとって、宗教とファッションはいつも絡み合っています。それは私の両親が生活のためにやっていること、そして私がライフスタイルのためにやっていることです。シナゴーグの思い出の中には、ファッションが関わっているものもあります。私が若くて、年配の女性の大きな胸がブラウスのボタン（偉大な子供）に引き寄せられる方法について冗談を言うでしょう。そして近年、頭が痛むシャネルをドレスするための一日としてヨム・キプールを使用するスタイリッシュな女性にも。

 

 

今年の最も有名な衣装パーティーであるニューヨークのメトロポリタン美術館での今年のコスチューム・インスティテュート・ガラのテーマが「天体：ファッションとカトリックの想像」であることがわかったとき、私の最初の考え「ヴェルサーチ、ヴェルサーチ、ヴェルサーチ」と言いましたが、私の第二の考えは、「イーグルス、これは大まかなことかもしれません」宗教周辺の感受性、特に現在の政治情勢を見過ごすことはできません。紛争の原因になりますか？

 

「私はこの話題について論文全体を書くことができました」と、ニューヨークタイムズスタイルのセクションをThe Forwardと同じくらい読んでいる父が最近語った。

 

 

言うまでもなく、父と私は、有名人、デザイナー、スタイリストが今年のテーマを魔法（または間違って）受け入れる方法を見て待っています。

 

私は個人的に多くのことを研究していました。スタイリストのメイヴ・ライリーは、フィッティングに向かう途中でL.A.に乗っていたので電話で教えてくれました。 ReillyはHalsey、Tinashe、Sistine Stalloneのような有名人の衣装を担当し、2年連続でHailey Baldwinの衣装担当を行っています。

 

ボールドウィンはキリスト教徒として崇拝されており、ヒルソング教会（ジャスティンとセレナが常に祈りに行く場所）に積極的に参加しています。彼女は時折インスピレーションと宗教的に調和した写真とキャプションをInstagramに掲示し、神を賞賛し、彼女の信念が日々の生活の中で保持する重要性を表明します。

 

「ヘイリーは非常に宗教的です」とライリーは言います。「誰かを侮辱するような圧力は感じませんでした。彼女と私が走ったアイデアは彼女のアイデアでした。私はちょうど彼女がそれを栽培するのを助けた。これは間違いなく、あなたがこのテーマのために行うことのできる最も侮辱的なことではありません。

 

ライリーは、以前はボールドウィンをフルメッシュのルックス、裸のドレス、そしてほとんど作物のトップで服を着た。しかし、このギャラン：このリスクはほとんどありません。

 

「最高のアドバイスは、すごく残念ではなく安全だと思う」とライリーは語る。 「ありがたいことに、私は過去にMet Galasを私たちのために間違っていたことはありませんでした。

 

Reillyは、テーマパーティーのためのクライアントをドレッシングすることについて「常に難しいことです。 「あなたがアジア：過去のメット・ガーラのテーマである「見た目のガラスを通して」」を持っていたとき、あなたは本当に文化的な割り当てに慎重でなければなりませんでした。常に細い線があります。すべてが尊重され、正しい方向に向いていることを確認することは、私たちの仕事です。

 

ライリーのために、彼女のクライアントの見た目が創造的で敬意を表していることを確認するには、特に今年のテーマについての広範な研究が必要です。

 

 

「私の最初のステップは常に研究をすることです」と彼女は彼女のプロセスについて語っています。 “私はイメージを引っ張り、何かが私を打つだろう。私はそれをクライアントに持ってきて、リファレンスとアイデアが付いたムードボードを見せます。私はたいてい、インターネットホールに入るだけです。明らかに、PinterestとTumblrはクールなものを持っているが、私はGoogle上にいて、どこに行くのか分かるだろう。

 

ボールドウィンのイベントの様子を払わずに、彼女は来週見ようとしている表情の後ろにあるインスピレーションの一部を私に教えてくれた。「90年代に滑走路に降りたガリアーノの司祭は本当に信じられないほどのものだった。非常にヴェルサーチ…ヘイリーは90年代のスーパーモデルにインスパイアされているので、90年代にはベルサーチの象徴的な形を表現したアイデアを思いつきました。

 

スタイリストとして、ライリーは彼女の顧客が赤いカーペットを下品に垂れ下がって、華麗に、そして適切に何かに送る責任があることを認めています。

 

「すべてのクライアントは自分の考えを持つことができますが、何か問題がなければ、それは私の責任であり、彼らのチームはそれを声に出し、異なる方向に導くことができます」と彼女は教えています。 「誰かがジュエリーやヘッドピースに疑問を抱いていると、誰にも侮辱をしないようになると、それほど多くはないと私は言う。

 

また、月曜日にMet Galaで数々のヘッドピースや宗教的なジュエリーが見られるようになりました。 “これはこのイベントのすばらしいことです”と、Reillyは続けます。 “人々が物事をどのように解釈するか。いつも、「ああ、私の神」のようなものがあります。

 

誰もが安全に遊ぶわけではありません。そして、私たちはそれを他の方法では望んでいません。それは、まあ、退屈だろう。私たちは、好きな、長期にわたるリスクを抱えている人たちの中には、限界を押しつけようとしている人がいると思います。

 

 

「私はいつもSarah Jessica ParkerとRihannaを見ることに個人的に興奮している」とReillyは告白する（彼女はスタイリングにも責任を負わない）。 “どちらも夜の女王です。私はバチカンが現在関わっているという噂を聞いています。誰かが関わっていると聞いて、多くの肌を見せないように人々に求めています。それが本当であるかどうかを見つけるために、私たちはVogueに連絡しました… “

国内最大級のファッションスクールを見ると、彼らが業界に加わることができる程度に女性の生徒が圧倒的多数を占めることがわかります。 実際、ファッションPRからデザイナーズ・ハウスまでの就職活動を補完する女性の不足はまれだと言っても過言ではありません。

しかし、リーダーシップの役割について言えば、数字は異なる絵を描いています。 ファッションレポートの1つは、メジャーブランドのわずか14％が女性のエグゼクティブによって運営されていることを示しています。

この統計は、 Glamourと米国のファッションデザイナー評議会が行った「The Glass Runway」という新しい調査で引用されています。これは主に女性を対象としていますが、トップランクでは不公平な男性です。 コンサルティング会社McKinsey＆Companyの助けを借りて、雑誌とファッション組織は535人の専門家に彼らの野心、チャンス、および後退について調査しました。

CFDA会長兼ファッションデザイナーのダイアン・フォン・ファーステンバーグ氏は、開かれた開会式で、調査結果のパネルディスカッションで火曜日に語った。「あなたはそれが問題のない業界だと思うだろうが、CEOは非常に多くはない 。 「それについて話すことだけではない。 それは行動を取ることについてもある」

この研究によれば、平等の格差は4つの障壁によって可能になっている。その第一は意識である。 インタビューを受けた女性の100％が、ジェンダーの不平等が業界で問題であると答えたが、男性の数字は50％未満であった。

女性のためのその他の障壁には、ワーク・ライフ・バランスの制約があります。 あいまいな成功基準で、多くの女性が男性よりも賃金が低く、昇進した。 そして指導の欠如。

しかし、 GlamourとCFDAは、このジェンダー格差が、女性のエンパワーメントに向けたプログラムの実施、評価、昇進および報酬の透明性と明快さの向上を含むいくつかの管理措置によって対処できると仮定しています。

CFDAの社長兼最高経営責任者（CEO）のスティーブン・コルブ氏は、 「われわれは創造的な産業であり、創造的な人々は人間性が強いと考えている 。 「今、私たちは、女性を職業と生活の中でより具体的な機会に変える方法を見て、彼らが繁栄し成長し続けることができるようにする必要があります。

宣伝しますが、男性は引き続きそれを実行します

この業界に関する新しい調査によると、米国のファッションの下位層は女性で満たされている。ニューヨークのファッション工科大学のような学校では、学生の85％が2016年に女性でした。彼らは業界の初心者の仕事を “圧倒して”満たしています。

しかし、幹部階級の一番上に達すると、彼らはしばしば消えてしまいました。この調査では、Business of Fashionによる2015年の調査が示されています。この調査では、50社の主要ファッション企業のうち7社のみが女性によって運営されていました。その調査は特に米国のファッションに焦点を当てていませんでしたが、アメリカの絵はほとんど同じように見えます。

“The Glass Runway”と呼ばれるこの新しい研究は、なぜ答えようとしているのですか？ファッションデザイナーズ・オブ・アメリカとマッキンゼー・アンド・カンパニーのコンサルティンググループと協働してGlamor誌が実施したことで、ファッションの女性が中途半端な壁にぶつかっていることがわかりました。この調査では、535人が「野心、機会、そして挫折」について調査し、さらに深い洞察のために2人以上の女性と男性に対する長期インタビューを行った。

調査結果の中には、女性が野心的でなくても業界に参入したということがありました。逆に、男性よりも経営幹部になる可能性は17％高くなっています。

しかし、企業の注文を上回っている人々を調査した結果、そのバランスは逆転した。彼らが副大統領のレベルに達した時点で、男性は実際に女性よりも上級管理職に達する可能性が20％高くなりました。

ジェンダー格差を生み出す要因はさまざまです。各レベルの男性は、自分のキャリアを進歩させる方法についてより定期的なフィードバックを得ることを報告しました。ジュニアレベルでは、男性は質問することなく昇進させる方が女性よりやや高い可能性があった。シニアレベルでは、男性の18％にまで格差が拡大し、尋ねることなく昇進したと回答しています（女性のわずか5％）。

この調査では、被験者のほとんどが「積極的で野心的だと主張した人でさえ、ほとんどすべての女性被験者が争っていた」と調査は明らかにした。多くの人が昇進することは幸いだと感じました。彼らはしばしば前進する方法が不明で、肩書きや賃金がなくても仕事をしていて、それに伴っていなければならなかった。

親になれば、男女にも異なる影響を与えました。何十人もの女性が、幼い子どもを持つことが彼らのキャリアに重きを置いていると感じていると答えました。少数の男性が同じことを言った。 「ファッションブランドのある社長は、母性のために女性がより高い地位を選ぶことを拒否していることを示唆していた」と同研究は述べている。大統領はこれを次のように述べました：「VPレベルでは、女性は自宅で責任を増大させているので、昇進して昇進を求める気にはなりません。

これらの不均衡は、女性はしばしばファッションとその大きな顧客の公的な顔であるという事実にもかかわらず存続します。市場調査会社のNPD Groupによると、平均して、アメリカの女性は自分自身や他の人のために男性の3倍の服を費やしています。 2017年、その金額は合計で1590億ドルでした。

この調査では、従業員が期待する内容や昇進方法の透明性と透明性の向上、社員の仕事や生活の柔軟な管理を可能にするプログラムやポリシーの作成など、これらの問題に対処するための方策が提案されました。 Glamourはまた、Old Navyなどの企業が、今や偶然にも偶然にも繁栄していない、これらの問題に対処する方法のいくつかを詳述しました。

しかし、自由主義的で包括的であることを誇りとする女性中心産業の多くは、企業が公的に宣伝する価値観に沿ったビジネスを実現するために多くの作業が必要です。

ファッションデザインの歴史は、衣服やアクセサリーをデザインするファッション業界の発展を指します。 個々のデザイナーが経営する企業やファッションハウスをベースにした現代の産業は、1958年にCharles Frederick Worthと共同で創業しました。

Franz Xaver Winterhalterによって描かれたオーストリアのエリザベスのためにCharles Frederick Worthによってデザインされたドレス
19世紀半ばまでは、 オートクチュールと既製服の分け目は実際には存在しませんでした。 最も基本的な女性の衣服を除くすべてのものは、クライアントと直接関係し、彼女の形にフィットする裁縫師と裁縫師によって作られました。 帽子、手袋などのアクセサリーは、今のところ店頭で着用して販売する準備がほとんど整っていた。 テイラーは同じ方法で男性と働いた。

これらの衣服のデザインは、ヨーロッパを回ってパリで熱心に期待されていた印刷デザインに基づいて増加しました。 縫い目は、これらのパターンを可能な限り上手く解釈します。 デザインの原点は、最もファッショナブルな人物、通常首都の裁判所、裁縫師とテーラーと共に考案された衣服でした。 16世紀からフランスの衣装が流通していたが、1620年代にはアブラハム・ボッセが彫刻を製作していたが、1780年代には最新のパリスタイルを示すフランスの彫刻の出版が増えた。 1800年までに、すべての西欧人は同じようにドレッシングしていた（あるいはそうであったと思った）。 地方の変化は最初に地方の文化の兆しとなり、その後は保守的な農民のバッジとなった。

20世紀初めにファッション誌は写真を取り入れ始め、さらに影響力を持つようになりました。 世界中で、これらの雑誌は大いに追求され、一般の趣味に大きな影響を与えました。 才能のあるイラストレーター – ポール ・アイリブ 、 ジョルジュ・レパプ 、 エルテ 、 ジョージ・バルビエの3人が 、ファッションと美の最新の展開を取り上げたこれらの出版物のための魅力的なファッション・プレートを描きました。 おそらく最も有名な雑誌は、1912年にLucien Vogelによって設立され、1925年まで定期的に出版されたLa Gazette du Bon Ton でした 。

内容
1 1900年以前
2 1900年代
3 1910年代
4 フランスのファッションの黄金時代
4.1 1920年代
4.2 1930年代
5 20世紀半ば
5.1 1940年代
5.2 1950年代
5.3 1960年代
5.4 1970年代
6 20世紀後半
6.1 1980年代
6.2 1990年代
7 関連項目
8 参考文献
9 さらに読む
1900年以前
クチュールの始まり。 Rose Bertin （1747年7月2日〜1813年9月22日）は、フランスの女王、マリー・アントワネットのドレスメーカーでした。 フランスの革命によって大幅に変更され、そこから数年間ロンドンに逃亡した後、彼女は時には皮肉的に「ファッション大臣」と呼ばれ、パリにショップをオープンし、パリのスタイルにかなりの影響を与えました。

フランスの裁判所の部外者であるマリー・アントワネットは、彼女の「敵と戦う」ためにバートンの細心の注意を頼っていました。 マリー・アントワネットのユニークなファッション・プリファレンス、男性のライディング・ブリーチやシンプルなムスリム・シフトの着こなしは、フランスの市民が彼女と彼女のライフスタイルに触れることを可能にするペルソナを作り出そうとした彼女の精巧なガウンとは対照的です。 マリー・アントワネットの試みはほとんど成功しなかったが、バートンがファッションを通して自分自身を表現するのを助けた方法は画期的なものであり、続いた君主の先例を設定した。

チャールズ・フレデリック・ワース （1825-1905）は、パリに住む英国人で、多くの大部分が匿名のテーラーや裁縫士を雇用している大企業とともに、現代的な意味での最初のデザイナーと見なされています。 元ドレープラーだったワースの成功は、彼が顧客に何を着用すべきかを指示することができたようなものでした。 ワルースは、 エウジェニー皇太后の一次デザイナーとして注目を集め、彼の王族との関係を利用して顧客を獲得しました。 1853年2月1日、 ナポレオン3世が正式な服装なしに裁判所に来ることはないと宣言し、ウォーススタイルのガウンの人気は圧倒的になった。 華麗に装飾され、最高級の材料で作られたワースのガウンは、 クリノリン （スタイリッシュな形でドレスを保持するかごのような金属構造）で有名です。 20世紀初頭にかけて、実際にはすべてのハイファッションはパリとそれほどではなくロンドンで生まれました。 他の国のファッション誌がパリのファッションショーに編集者を派遣した。 百貨店はバイヤーをパリのショーに送り、そこではコピーする衣服を購入した（そして公然とスタイルラインを盗んで、他人の詳細をトリミングする）。 メイド・ツー・メジャーのサロンと既製品の両方の部門では、最新のパリのトレンドを特集し、ターゲットとする顧客のライフスタイルやポケットブックに関する店舗の前提に合わせました。

1900年代
主要記事： 1900年代のファッション

1905年にElizabeth Wharton Drexelを展示していたGiovanni Boldini （1845-1931）の肖像画。
ベルエポック時代のファッショナブルな女性が着用した服装は、ファッションのパイオニア、チャールズワースの時代に着用した服装と著しく似ていました。 19世紀末までに、ファッション業界の地平は、裕福な女性の多くが採用し始めたより安定した独立した生活様式と彼らが要求した実用的な服装のために部分的に広がっていました。 しかし、ベルエポックのファッションはまだ19世紀の洗練された布張りのスタイルを保っていました。 ファッションの変化は想像もつかなかったので、異なるトリミングの使用は、あるシーズンを他のシーズンと区別していました。

目立つ廃棄物と目立った消費は、10年代のファッションを定義し、その時代のクチュールの衣装は信じられないほど贅沢で、華麗で、勤勉に作られました。 曲がりくねったS-Bendのシルエットは、1908年頃までファッションを支配していました。S-Bendコルセットは、胸を前方に押し込んでモノボーンにし、パディング、衣服へのトリムの賢明な配置、そして特に、コルセットから完全に独立した姿勢は、「S」シルエットの錯覚を作り出しました 。 Paul Poiretは、10年の終わりに向かって、ペチコートやコルセットを含まないデザインを発表しました。 これは大きく変化しました。女性のウエストはルネサンス以来のコルセットによって形作られていました。最終的にはファッションからS字形を引き出しました。

Maison Redfernは、女性に直接男性の相手に合わせたテーラードスーツを提供する最初のファッションハウスで、非常に実用的で洗練されたエレガントな衣服はすぐに着こなしが良い女性のワードローブの不可欠な部分になりました。

1910s
主要記事： 1910年代のファッション
1910年代の初めに、ファッショナブルなシルエットは19世紀よりもはるかにリッチで流動的で柔らかくなりました。 バレエ団が1910年にパリでシェヘラザードを演奏したとき、 オリエンタリズムの流行が続いた。 ファッション界にこの流行を翻訳する最初のデザイナーの一人だったPaul Poiretは、 ポワレの顧客は、流行のパンタルーン、ターバン、鮮やかな色彩、 ゲイシャをエキゾチックな着物で流して、 ハーレムの女の子に変身しました。 Paul Poiretは、女性がメイドの助けなしに履くことができる最初の衣装を考案した。  アールデコの動きは現時点で浮かび上がるようになり、その影響は当時の多くの芸術家たちのデザインで明らかになりました。 シンプルなフェルトの帽子、ターバン、チュールの雲が20世紀に人気のあるヘッドギアのスタイルに取って代わりました。 最初のリアルファッションショーは、ロンドン、ブエノスアイレス、マドリードの海外支店を開設した最初のパリ人のクートゥイヤでもあったジャンヌ・パキン （ Jeanne Paquin ）が初めて組織したことも注目に値する。

当時の最も影響力のあるファッションデザイナーの2人はジャック・ドゥケとマリアーノ・フォルトゥーニーでした。 フランスのデザイナーJacques Doucetは、パステルカラーを重ね合わせることで優れていました。彼の手の込んだゴッサムリードレスは、 印象派の反射光のシマーを示唆していました 。 彼の著名な顧客は、液体ラインと薄い透け感のある素材の味を失うことはありませんでした。 ドゥシェットはクートゥリエの想像力にほとんど残っていない命令に従っていたにもかかわらず、それにもかかわらず、沢山の味と差別のデザイナーでしたが、ドゥケの成功のレベルはめったにありませんでした。

ヴェネツィアに拠点を置くデザイナー、マリアーノ・フォルトゥーニ・マドラゾー（Marari Fortuny y Madrazo）は、好奇心を抱く人物であり、どの年齢でも非常に類似している。 彼のドレスデザインのために、彼は特別なプリーツ加工と新しい染色技術を考え出しました。 彼は色のうねりの長いドレスに、 デルフォスという名前を付けました。 それぞれの衣服は、最高級のシルクの一片でできていて、月光を暗示していたか、ヴェネツィアのラグーンの水面を暗示している染料で繰り返し浸漬して得たユニークな色です。 フォルトゥーニが使用した原料の中には、ブルトンストロー、メキシココチニール、極東のインディゴがありました。 彼の多くの信者の中には、 Eleonora Duse 、 Isadora Duncan 、 CléodeMérode 、 Marchesa Casati 、 Émilienned’Alençon 、 Liane de Pougyなどがあります。

第一次世界大戦中の服装の変化は、ファッションよりも必然的に必要とされました。 より多くの女性が仕事を余儀なくされるにつれ、彼らは新しい活動に適した服を要求した。 社会的なイベントは、より緊迫した取り組みと死者の増加、怪我人への訪問を嘆く必要性のために延期されなければならず、時間の全体的重力はより暗い色が標準になったことを意味した。 快適な状況の若い女性には馴染みのないモノクロの新しい表情が浮かび上がった。 1915年までには、ファッショナブルなスカートが足首を上回り、その後は中耳になった。

フランスのファッションの黄金時代
2つの世界大戦の間の期間は、しばしばフランスのファッションの黄金時代とみなされ、大きな変化と改革の1つでした。 オートクチュールは、映画女優、アメリカの相続人、裕福な企業家の妻と娘の仲間入りで新しい顧客を見つけた[ 要出典 ] 。

1920年代
主要記事： 1920年代のファッション

ファッショナブルなハリウッド女優、 ルイーズ・ブルックス
すぐ第一次世界大戦の後、急進的な変化が起こった。 Bouffant coiffuresは短いボブに 、長い列車のドレスは膝の上に沈んでしまった。 コルセットは放棄され、女性は男性のワードローブから服を借りて、男の子のように服を着ることにしました。 最初は多くのクチュールが新しいアンドロジースタイルを採用することを嫌っていましたが、1925年頃から全面的に抱き合っていました。羽毛ボア、刺繍、派手なアクセサリーによって、バストレスでウエストレスのシルエットが浮かび上がります。 フラッパースタイル（フランス語で「ガルソンヌ」の外観）は、若い女性の間で非常に人気がありました。 クローシェの帽子は広く着用されており、ジーンパトーやココシャネルのようなデザイナーがスポーティで運動的な外観を普及させているスポーツウェアは、10年の間に男性と女性の両方に人気がありました。

偉大なcouturière ココシャネルは、彼女のシックで進歩的なデザインのように彼女の磁気的人格のための多くの時間、ファッションの主要人物だった。 シャネルは、ボブの髪型、小さな黒いドレス、女性服のジャージーニットの普及を助けました。 また、コスチュームジュエリーとニットウェアの両方の状態を高めました。

1920年代の著名なフランスのデザイナーの2人はJeanne LanvinとJean Patouでした。 Millerとしてファッションでキャリアを始めたJeanne Lanvinは、若い娘Margueriteの美しい衣装を作り、Lanvinはすぐに母親のためのドレスを作っていました。 ランバンの名前は1901年頃からファッション年鑑に掲載されています。 しかし、1920年代には彼女の人気と成功のピークに達しました。 ランバンスタイルは、複雑なトリミング、眩しい刺繍、ビーズの装飾を軽く透明な花の色で巧みに使い、最終的にはLanvinの商標となった、時間の様子を包み込んでいます。 1925年にLanvinは、スポーツウェア、毛皮、ランジェリー、メンズファッション、インテリアデザインなど、さまざまな製品を生産しました。 彼女のグローバルなファッションへのアプローチは、すべての大規模な現代ファッションハウスが後に多様化するために採用する計画を予見しました。 ジーン・パトウのスタイルは、主流ではなく、独創性に満ちており、特にアメリカ市場で彼の名声を奪うために研究されたシンプルさを特徴としています。 クリーンなライン、幾何学的およびキュービズムのモチーフ、そして豪華さと実用性の融合した彼の衣服の多くは、屋外生活のための新しい流行を満足させるために設計され、近代的なスポーツウェアに顕著な類似性をもたらしました。 彼のスタイルの最も有名な主唱者は、伝説のテニスチャンピオンのSuzanne Lenglenでした。

メンズウェアでは、特にアメリカ人の間で、若さとリラクゼーションを強調するファッションに映し出された非公式の気分が高まっていました。 過去には、紳士時代のあらゆるイベントに特別な服装がありましたが、1920年代の若者たちは若々しく見えることを恐れず、一日中同じソフトウールスーツを着用し始めました。 ショートスーツジャケットは、今やフォーマルな機会にのみ着用されていた過去の長いジャケットを置き換えました。 男性には、セーターやショートパンツ（一般的にはニッカーとも呼ばれる）など、さまざまなスポーツ用品が用意されていました。 夕方の着用のために、短いタキシードはテールコートよりファッショナブルでした。テールコートはやや古風な感じがしました。 イギリスのテオラーScholteによって完成されたスリムなライン、ゆったりとフィットする袖、詰め物のある肩のロンドンカットはとても人気がありました。

フェアアイルパターンは、男女ともに非常に人気がありました。 当時、かかとは2インチ以上の高さを持ち、2トーンシューズを商標として普及させるのに役立っていました。 サルヴァトーレ・フェラガモとアンドレ・ペルージャは、シューズの最も影響力があり尊敬されるデザイナーの2人でした。 Louise Brooks 、 Gloria Swanson 、 Colleen Mooreなど、1920年代にファッションに大きな影響を与えたのは、[サイレント映画]の多くのスターたちでした。 1929年のウォールストリートクラッシュの後、軽やかで前向きな1920年代のファッションが徐々に止まり、より慎重なスタイルに落ちました。 1930年にフラッパーの外観が残っていたが、1933年までベル形の帽子が続いていたが、その後すぐに消えた。

1930年代
主要記事： 1930年代のファッション
1930年代、大衆が大恐慌の影響を感じ始めたとき、多くのデザイナーは、危機が実験の時ではないことを発見しました。 ファッションはより妥協し、 フェミニズムの勝利を維持しつつ、微妙で安らぎのないエレガントさと洗練を再発見しました。 全体的に、1930年代の衣服は、10年間の困難な社会的および経済的状況を反映して、晴れやかで控えめでした。 女性のファッションは、よりロマンチックで女性らしいシルエットに向かって、1920年代の大胆で大胆なスタイルから離れました。 ウエストラインが復元され、ヘムラインが足首の丈に近づき、バストの感謝の気持ちが再び高まり、背中のない夕方のガウンと柔らかくスリムな一日のドレスが人気になりました。 女性の体はより新古典的な形に改造され、スリム、トーン、運動体が流行した。 屋外活動のためのファッションは、今日「スポーツウェア」と呼ばれるものを製造するために婦人に刺激を与えた。 「既製品」という言葉はまだ広く使用されていませんでしたが、ブティックは「スポーツ用」のような服を既に説明しています。 首をかしげたフラッパの代わりに、1930年代の標準的な女性の髪型は、ささやかな、短いパーマです。

1930年代の最も有名で影響力のあるファッションデザイナーの2人はElsa SchiaparelliとMadeleine Vionnetでした。 Elsa Schiaparelliは1929年に彼女の最初のコレクションを展示し、すぐにその日のまれなイノベーターの1人として報道されました。 エキサイティングで独創的なデザインで、Schiaparelliはファッションに革命をもたらしました。 彼女の窓に表示された最初のプルオーバーが感覚を作り出した。それは、黒いひねりを帯びた白い弓で黒く編まれていた。 彼女はその後、一貫して注目すべきコレクションを発表しました。 SchiaparelliはChristianBérard 、 Jean Cocteau 、 SalvadorDalíの親友で、彼女の刺繍モチーフをデザインし、ポケットの引き出し付きの机のスーツ、靴の帽子、ハエで描かれたシルクのドレス、大きなロブスターの写真です。 コレクションの成功として、パリのすべてが21 PlaceVendômeで彼女のサロンに集まりました。

マドレーヌ・ヴィオネットは古代の彫像にインスピレーションを得て、ギリシャのフリーズのように見えない時代を超越した美しいガウンを生み出しました。 彼女はバイアスカットの女王（生地の長さ方向の糸を斜めにカット）をしながら、流れるようなエレガントなラインを使用して、身体にフィットするイブニングドレスを作りました。 シフォン、シルク、モロッコのクレープの完全なドレープは、素晴らしい姿勢と官能的な効果をもたらしました。 比類のない成功を収めたVionnetのカットは、1939年の退職までの彼女の評判を保証しました。

パリで暮らし仕事をしていたアメリカ人デザイナーのメインボッハーも、ヴィオネットが先駆けたバイアスカットを採用しています。 高級品メーカーのエルメスは、ファスナーの普及に加えて、1930年代初めに手作りのシルクの正方形のスカーフを販売し始めました。 10年代の終わりに、女性のファッションは、おそらくElsa Schiaparelliの影響を受けて、やや大きめで広々としたシルエットを取りました。 メンズファッションは、第一次世界大戦の終焉以来支配していた非公式で実用的な傾向を続けました。

20世紀半ば
第二次世界大戦後、ファッションの世界的中心地としてのパリの評判は崩れ始めました。 新しい青少年のスタイルが1950年代に登場し、ファッションの焦点を変えました。 西側では、高等社会と労働者階級の伝統的な分裂が挑戦された。 特に、新しい若い世代は、急成長している消費者社会のメリットを享受したかったのです。 特権は、過去よりもあからさまに広告されておらず、相違点はより明確になっています。 古代のヨーロッパの階層構造が覆されるにつれて、区別の外部の印はぼやけた。 最初のロケットが宇宙に打ち上げられる頃までに、ヨーロッパは、アメリカンラインに沿って、裸足とクチュールとの中間地位を占める高品質の既製服を採用する用意がありました。 間接費や原材料費の増加が手作りのファッションを傍観者に追いやるようになったため、この必要性はさらに強かった。 一方、急速に発展する新技術は、ますます高品質で高品質の製品を製造することをますます容易にしていました。

工場で作られた、ファッションベースの製品の脅威に直面して、パリのファッションクチュールは防衛を取り入れましたが、効果はほとんどありませんでした。 昔の世界が最後の弓を取っている間、ファッションの変化は、社会における一般的な揺れの最も目に見える症状の1つでした。 長い間、これまでに高級クチュールの代用品に限定されていた女性のクラスは、選択の自由が大幅に拡大していました。 はるかに多くの量を扱うため、生産サイクルはクチュールワークショップのものより長く、年間2回のコレクションのラインを計画しているスタイリストは、顧客が望むものを1年以上前に推測しなければなりませんでした。 新しい権威が通りのそれを引き継ぎ、クチュールの独裁に対するさらなる脅威を構成した。

1940年代
多くのファッションハウスは、Maison VionnetやMaison Chanelなど、 第二次世界大戦中のパリの占領中に閉店しました。 Mainbocherを含むいくつかのデザイナーはニューヨークに恒久的に移住しました 。 フランスの国家によって行われた莫大な道徳的かつ知的な再教育プログラムでは、クチュールは省かれていませんでした。 スタイリッシュで解放されたパリジャンヌとは対照的に、 ヴィシー政権は、妻と母親のモデルを堅固で運動能力の高い若い女性に昇格させました。これは新政権の政治課題と一貫しています。 一方、ドイツはハイファッションを含むフランスの生産額の半分以上を占めており、フランスのオートクチュールをベルリンとウィーンに移転することを検討していた 。 Chambre Syndicale de la Coutureのアーカイブが押収されました。これには、クライアントリストが含まれていました。 このすべてのポイントは、おそらく第三帝国の支配を脅かす独占を解消することでした。

困難な時代のために、ヘムは夕方の服装と昼間の服装の両方で上向きに這い上がり、後者は可能な限り代替物を使用して作られました。 1940年以降、コートには4メートル（13フィート）以上の布を使用することができず、ブラウスには1メートル（3フィート）を少ししか使用できませんでした。 ベルトの幅は3センチメートル（1.5インチ）を超えることはできません。 それにもかかわらず、オートクチュールは旗を飛ばすために最善を尽くしました。 ユーモアと軽薄さは、占領軍を無視して生き残ったポップスターの道となった。 それが耐え忍んだ理由は、裕福なナチスの妻の後援によるものだと主張しているが、実際には、通常の裕福なパリジャンを除いて、それは外国大使の妻たちの折衷的なミックスであった。 Jacques Fath 、 Maggy Rouff 、Marcel Rochas、Jeanne Lafaurie、 Nina Ricci 、 Madeleineなどのファッションハウスで開店（閉鎖）していたサロンの雑貨屋（ドイツの女性は少数であったが） Vramant 。 世界戦争の頃、戦争に勝つために必要だった兵士や兵士のためのギアを、ミッションに費やしていた。 これらの要求は、ファッション業界に生産のための素材をほとんど、あるいはまったく残さなかった。 実際のデザイナーと一緒に暮らしていた主婦たちは、古い衣服を再利用したり、古い衣服から新しいスタイルを作り出したりしていました。

許容された髪型は標準的なままであったが、40年代にはこれがヘアラインの下部に沿ってボブ付きロールに進化した。

職業の間に、女性が彼女の贅沢を誇示したり、服装に色を付けたりする唯一の真の方法は、帽子をかぶることでした。 この時期、帽子はしばしば捨てられていた材料の小片で作られました。これには紙や木の削り屑が含まれていました。 最も革新的な時代には、Pauline Adam、Simone Naudet、 Rose Valois 、Le Monnierがありました。

1940年代のパリの孤立した状況は、アメリカ人が自分たちのデザイナーの独創性と創造性を十分に活用できるようにしました。 第二次世界大戦中、 ヴェラ・マクスウェルは平野の単純カット・コーディネートで構成された衣装を発表し、男性の作業服に革新をもたらしました。 Bonnie Cashinはブーツを主要なファッションアクセサリーに変え、1944年にオリジナルで想像力豊かなスポーツウェアの生産を開始しました。 Claire McCardell 、 Anne Klein 、Cashinは、アメリカのスポーツウェアの基盤を築いた女性の驚異的なトリオを結成し、レディースウェアは単なる第2位ではなく、モダンな女性が着こなすためのエレガントで快適な方法と見なしました。

戦争の年では、 ズート・スーツ（そしてフランスではザッツ・スーツ）が若者の間で人気を博しました。

Rita Hayworth 、 Katharine Hepburn 、 Marlene Dietrichなど、多くの女優が人気のファッションに大きな影響を与えました。

クリスチャンディオールは、1947年2月、最初のコレクションで潮の波を作りました。コレクションには、胸像や小さなワイスト、そして贅沢なフルスカートが描かれたドレスが入っていました。女性の砂時計の姿を強調しています。 BelleÉpoqueのスタイル。 ファブリックの贅沢な使用と女性らしいエレガントなデザインは、戦後の顧客にアピールし、ディオールの流行が名声を上げることを確実にしました。 このスタイルのまさに洗練されたスタイルは、アメリカのHarper’s Bazaar （ カーメル・スノー ） の強力な編集者に「これは新しい外観です！」と叫びました。

1950年代
主要記事： 1950年代のファッション
1950年代の革新的で進歩的ではなく、継続性、支持と論理、そしてエリート社会学的な予測に直面して、過去10年間以上を使用しました。 1920年代と1930年代に進歩を大いに信じていた社会全体は、はるかに慎重だった。 女性が投票権、労働権、車を運転する権利を持っていたにもかかわらず、コルセットのウエストと渦巻くスカートをブーツの中ほどにして服を着た。 ファッションが過去を振り返るにつれて、オートクチュールは復興の何かを経験し、メディアの急成長から大きく利益を得た無数のスターデザイナーを生み出しました。

1950年代には、前回とは異なり、世界中の女性がパリのオートクチュールの動向に引き続き従いました。 当時のパリのクートゥリア人の中で最も有名な人の3人は、 クリストバル・バレンシアガ 、 ユベルト・ジバンシー 、 ピエール・バルメインでした。 クリスタルバレンシアガエサグリは、1930年代後半にファッションデビューを果たしました。 しかし、この非常にオリジナルのデザイナーの発明力の完全なスケールが明らかになったのは戦後期までではありませんでした。 1951年に、彼は完全にシルエットを変え、肩を広げ、腰を取り除いた。 1955年にはチュニックドレスをデザインし、その後1957年のシューズドレスに発展しました。そして最終的には1959年に、彼の作品はハイウエストのドレスや着物を着物のようにカットしてエンパイアラインに登場しました。 ファブリックデザインと創造の彼の熟達は信念に反するものでした。 バレンシアガは、ファッション史上、数々の芸術家の一人として注目されています。彼は、彼の芸術性の高さを象徴するモデルをデザイン、カット、ソーイングすることができます。

ヒューバート・デ・ジバンシーは1952年に初めてのクチュール・ハウスをオープンし、彼のセパレートでセンセーションを作りました。 最も有名なのは、彼のトップモデルの名前を付けられたシャツから作られたベティナのブラウスでした。 すぐに、ローマ、 チューリッヒ 、ブエノスアイレスにブティックがオープンしました。 巨大な味と差別の男、彼はおそらく、彼が定義するのを手助けした控えめな優雅さの世界の不可欠な部分であった。

ピエール・バルマーンは1945年に自身のサロンをオープンしました。1952年以来、彼は彼の最大の成功を経験した「ジョリー・マダム」という一連のコレクションに収められていました。 Balmainのエレガントな服装をした女性のビジョンは、特にパリのものでした。細かい色の組み合わせでファブリックをカットし想像力豊かなアセンブリを習得し、十分なバスト、細いウエスト、フルスカートを備えた ” New Look “の魅惑的な魅力に代表されました。 彼の洗練された顧客は、豪華なエレガンス、シンプルな仕立て、より自然な外観で、同じように家にいました。 彼のオートクチュールの仕事と並んで、才能のあるビジネスマンはFlorillgeという着用可能な範囲を開拓し、また多くの成功した香水を発売しました。

また注目されているのは、ココシャネル（ファッション界に「ニュールック」を嫌った）の復帰です。 戦争期の彼女のサロンの閉鎖に続いて、1954年には70歳以上の女性がカムバックし、2月5日に彼女は世界各地の女性によって採用され、スニーカーライニング、すっきりしたツイード、モノグラムのボタン、フラットブラックシルクの弓、ボーター、チェーン付きキルティングバッグ、イブニングドレス、毛皮の驚異の彼女の有名な小さな編まれたスーツ、光沢のあるコスチュームジュエリーシンプルさ。

高級ファッションデザイナーであるにもかかわらず、アメリカ生まれのマインボーシャーは軍隊や民間のサービス制服をデザインしました。1952年に、彼は女性の海兵隊のサービスユニフォームを、女性性と機能性を組み合わせて再設計しました。以前の再設計には、1942年のWAVES（ボランティア救急サービス受入れ女性）の制服、1948年のアメリカガールスカウトとアメリカ赤十字のユニフォームデザインが含まれています。

ディオールの「New Look」（1947年に初演）は、ガードルとオールインワンのコーセーレットの人気を復活させました。 1950年代初頭には、多くのクチュール家が自分のブランドを構築し始めた直後に、多くのクチュール家が独自のラインを立ち上げるための「ファウンデーションウェア」に関心を示しました。 1957年、ジェーンラッセルは、ハワードヒューズによって科学的にデザインされた “カンチレバー”ブラジャーを着用し、ボリューム感のある外観を最大限に引き出しました。ライクラの発明（元々「ファイバーK」と呼ばれていた）は1959年に下着業界に革命をもたらし、ランジェリーのあらゆる面にすぐに取り入れられました。

戦争後、アメリカの表情（幅の広い肩、花の紐、真っ直ぐな脚のズボン、長く尖った首輪を持つシャツ、頻繁に身に着けずに服を着用する）は、ヨーロッパの男性に非常に人気がありました。特定のロンドンの製造業者は伝統的な人にアピールするために作られたタイトフィットのレトロスタイルを採用し、男性のファッションでエドワード的なエレガンスの復活を導いた。もともと町についての尊敬できる若者を目指したこの見た目は、テディーボーイスタイルとして人気のあるファッションに翻訳されました。Caraceni、Brioniによって普及されたイタリアの表情、およびCifonelliは、大西洋の両側にエレガントな若い愛好家の全世代によって取り上げられました。1950年代のメンズファッションでは、シャツやスーツ、そして10代の反乱の象徴と見なされ、学校では禁止されていた「ダックテイル」のヘアカットによく見られる。

1950年代後半には、特に男性のファッションの中で、フォーマルでない衣服への一般的な動きがあった。フェドーラとホンブルク帽と同様に、トレンチコートは、1920年代以来、メンズウェアの標準部品となってた後（この傾向は、すでに米国の非公式西海岸にいくつかの年前に始まっていた）広く使用から姿を消しました。

ハリウッドのデザイナーは、アメリカの映画のスターたちのための特別な魅力を創り出しました。マリリン・モンロー、ローレン・バコール、グレース・ケリーなどの衣装が広くコピーされました。量的に言えば、ハリウッド映画の女優が着用する衣装は、数千人以上の読者が読んだ雑誌に描かれた衣装の写真よりもはるかに大きな聴衆を持つだろう。すべてのパリスタイルを追跡しようとせずに、その衣装デザイナーは時代を超越して、お世辞とフォトジェニックであることを意図されていた自分の古典主義のバージョンに焦点を合わせました。スパンコール、シフォン、ファーなどの豪華な素材を使用して、服は非常に単純にカットされ、女優がカメラから戻ってきたときにのみ明らかにされたドレスのローカットバックまたはいくつかの特に素晴らしい付属品。 1930年代から1950年代にかけてハリウッドで最も影響力があり尊敬されていたデザイナーは、エディス・ヘッド、オリリー・ケリー、ウィリアム・トラヴィラ、ジャン・ルイス、トラビス・バントン、ギルバート・エイドリアン。この10年間の女性の服は、ロングコート、小さなベールの帽子、レザーグローブで構成されていました。膝丈のドレスとパールネックレスを組み合わせ、ファーストレディーマミーアイゼンハワーがすぐに人気を呼んだ。短い、パーマされた髪は、期間の標準的な女性の髪型だった。

大量生産されたばかりのペッグ衣料品は、過去10年の終わりにはるかに普及し、一般の人々に流行のスタイルへの前例のないアクセスを与えました。

1960年代
主要記事：1960年代のファッション
1960年代まで、パリは世界中のファッションの中心地であると考えられていました。しかし、1960年から1969年の間に、ファッションの基本構造に根本的な揺れが生じました。 1960年代以降、人々の生活の他の分野における様々な影響とは不可分に関連した、単一の優勢な傾向またはファッションではなく、非常に多くの可能性があります。繁栄と明確なティーンエイジャー文化の出現は、異文化運動と相まって、すべてファッションに大きな影響を与えます。

30年の保守的な衣服のスタイルの後、60年代には、1920年代に一種の後退が見られました。スカートは膝の長さで始まったが、1965年にミニスカートが登場するまで短く短くなった。10年の終わりには、彼らはストッキングの上にぴったりと射撃し、タイツへの移行を余儀なくされた。

ファッションの根本的な変化の多くは、メアリー・クワット（ミニ・スカートを着用したことで知られています）やバーバラ・ハラニーキー（伝説のブティックBibaの創始者）など、才能のあるデザイナーとロンドンの街で発展しました。パリも含めて、新しい、革新的なデザイナーのシェアを持っていたピエール・カルダン（彼の先見の明のために知られており、巧みなデザインをカット）、アンドレ・クレージュ（彼の未来的な衣装のためにとマリー・クワントと一緒にミニスカートを起動するために知られている）、イヴ・サンローラン（既知彼の画期的でありながらエレガントなファッション）、Emanuel Ungaro（色彩豊かなバロック・コントラストの想像力豊かなものとして知られています）。米国では、Rudi Gernreich（彼のアヴァンギャルドと未来的なデザインで知られていた）とJames Galanos（彼の贅沢な既製品で知られていた）も若い聴衆に届いていました。これらの新しい若手ファッションデザイナーのための主要な店は、ちょうど「ワンオフ」ではない服装を販売する小さなブティックでしたが、限られた範囲のサイズと色で少量生産されました。しかし、すべてのデザイナーが新しいスタイルと気分にうまくやっているわけではありません。 1965年には、ココ・シャネルが膝の露出に対して後行為を起こし、バレンシアガは断固として女性的で控えめなデザインを生み出しました。

時間の基本的な形やスタイルは、シンプルで、きれいで、トリムで、カラフルでした。過去10年間で帽子はすでに減少を始めており、特別な場合を除いてほぼ完全に消滅しました。下の子猫のかかとは、かっこの代わりになっていました。尖ったつま先は、1961年にはチゼル型のつま先、1963年にはアーモンドのつま先に近づきました。フラットブーツは、1965年に非常に短いドレスで人気を博し、最終的には脚を上げて膝に達しました。

60年代初めには、ボブ、ページボーイカット、蜂蜜など人気のあるヘアスタイルが広範囲に揃っていました。

エミリオ・プッチとパコ・ラバンニは、1960年代に著名で有力なデザイナーの2人でした。エミリオ・プッチのスポーツウェアのデザインやプリントは、Opアート、サイケデリア、中世のヘルニア・バナーにインスパイアされ、彼は高い社会のサークルをはるかに超えた評判を得ました。彼の洗練されたシフトドレス、チュニック、ビーチウェアは、女性の形を解放する動きのすべてであった「プッチャニア」を作りました。彼のデザインは1960年代と同義です。 Francisco Rabaneda Cuervo（後のPaco Rabanne）は、1966年に最初のクチュール・ハウスをオープンし、当初から断然モダンなデザインを生み出しました。従来のドレス素材を使用するのではなく、彼はアルミニウム製の衣服を作った、ロドイド（Rhodoid）、スクラップ（scrap）彼のデザインは、実験的であるだけでなく、近代的な冒険的な若い女性が身に着けていたことと密接に調和していました。彼の革新の中には、多くの実験の後、塩化ビニルを金型にスプレーすることによって作られたシームレスなドレスと、紙とナイロン糸でできた低予算の使い捨てのドレスがあります。 Rabanneは黒のモデルを使用したファッションデザイナーとしても初めてであり、Chambre Syndicale de la Couture Parisienneからの解雇をもたらしました。彼の香水カランドールの成功は、彼のユートピア主義が彼にオートクチュールの保守的な世界のユニークな地位を保証しながら、彼の仕事のより収益性の低い領域をサポートするのを助けました。

1960年代の紳士服の主な変化は、使用した生地の重量にありました。材料の選択と製造方法は、体重が軽かったために体の自然な形に近い線で、全体的に見た目が異なり、男性がより批判的に彼らの姿を見るようにするスーツを作り出した。ジーンズの普及は、男性用ワードローブの急進的な変化を加速させました。若い男性は髪を襟に縛り付け、シャツには色や花のモチーフを加えました。ポロネックはネクタイの交換には成功しませんでしたが、粗いコーデュロイ、特にマオジャケットに仕掛けジャケットを採用しました単に政治的声明以上のものであることが判明しました。ピエール・カルダンとアンドレ・クールエージュによって、未来的な騒ぎが始まりましたが、3ピースのスーツはまだ生き残っています。

1960年代初頭の著名人やファッション性の高いデザイナー、最も有名なの影響力の「パートナーシップ」があったオードリー・ヘップバーンとジバンシー、そしてジャッキーケネディとのオレグ・カッシーニが。また、多くのモデルはファッションに非常に深い影響を与えました。特にTwiggy、Veruschka、Jean Shrimptonです。 1910年代初頭、キュロットはスタイルが変わり、ビキニは最終的に1963年に流行しました。ヒッピーとサイケデリックな動きは、衣装スタイルにも強い影響を与えました。ベルトップジーンズTommy Nutter、Savoy storeから）、タイ染料とバティックのファブリック、ペイズリープリントなどがあります。

1970年代
主な記事：1970年代のファッション
ニックネームは「私」10年。 1970年代のキャッチフレーズだった。いくつかは、それが良い味の終わりとしてそれを見た。 1960年代後半のカピカン、インディアンスカーフ、花柄のチュニックなど、ヒッピーの表情が続きました。ジーンズは擦り切れていて、ベルボトムしていました。タイの染料はまだまだ人気があり、ユニセックスのファッションはキノコになりました。アメリカからの魂の音楽の影響と組み合わされた黒人のための市民権を主張する巨大な動きは、アフリカとアフリカの文化に対する郷愁を作り出しました。ジェームズ・ブラウン、ダイアナ・ロス、アンジェラ・デイヴィス、ブラック・パンサーズのような影響を受けた根本的なシックが現れましたアフロの髪型からプラットホームの底までのすべてにおいて1970年代、ブランドは国際市場でのシェアを大幅に拡大しました。裾は1974年に膝の下まで落ち始め、最終的に1977年には低い仔牛に達し、肩幅は落ちた。 1975年以降、ファッションは、羽毛の女性のヘアカットと男性、スリーピースのレジャースーツを含む「ディスコの外観」によって支配されるようになりました。ベルベッドのパンツは10年を通して人気があります。

おそらく、1970年代フランスの最も革新的なファッションデザイナーの2人は、高田健三とソニア・リキエルでした。 1970年代にパリのファッションの傑作だったケンゾーは、世界中からインスピレーションを得て、西洋と東洋の民族の影響を素晴らしい喜びで融合させました彼の若い顧客が望んでいたことの本能的な理解。彼の液体ライン、異常なプリント、巧妙なアクセサリー、そして今までになかった着心地の良さで、彼はファッション界を逆さまにしました。 1974年、Sonia Rykielはフィギュアを抱えている編み物の女王で、裏返しの縫い目で最初のプルオーバーをデザインしました。しかし、それ以上に、彼女は非常に個性的でありながら、ほとんどどこでも着用できる、あらゆる種類の服を作りました。液体編み服、ダーク・ブラック、ラインストーン、長いボアのようなスカーフ、そして小さな編み帽子が支配するリキエル・スタイルは、アメリカ市場を征服しましたが、今日まで、ライキエルは多くのアメリカ人によってシャネルの真の後継者となっています。

パンクのために、ロンドンはファッションにかなりの影響を及ぼし、King’s Road のブティックでは、1971年にオープンしたVivienne WestwoodのブティックSEXが優勢となった。フェティシズム的なアクセサリーと黒いゴムとスチールのスタッドが根底にあるサディズムの外的兆候であった服の範囲を中心にしたこの英国の象徴クラスターのこの寺院は、ポストモダニストと本質的に無秩序なパンク運動は、政治よりも内臓的であった憎しみのための、期間の経済不況の間の経済状況への直接的な反応でした。パンクは、その心に、無秩序による創造の宣言を持っていました。彼らのリッピングされたTシャツで、アメリカ先住民族の髪型、ドック・マルテンス、ボンデージ・ズボン、チェーンなど、世界中の嫌悪感を全面的に伝えています。

もうひとつの人気のある英国スタイルは、ロウラ・アシュリー（Laura Ashley）によって普及された、断続的で非モダンで女性らしい服装の服装のスタイルでした。長いスカートのスカートと、 Laura Ashleyは1960年代半ばにウェールズで小規模企業を経営し始めました。同社は1985年にオーナーが偶然死亡するまで拡大を続けました。Laura Ashleyは過去に懐かしく見るデザイナーだけではありませんでした。 1920年代、30年代、40年代、50年代のファッションは、ゴッドファーザーやグレートギャツビーのようなハリウッドの映画、メトロポリタン美術館での衣装の歴史に関する数々の展覧会など、ニューヨークでは人気が高まっている。日本では、東京のファッショナブルな原宿地区のブティックは、伝統的な英国とアメリカの外見の多くのリワーク版を販売していました。

米国では、ファッションの一般的な傾向は単純化とより長いスカートに向かっていましたが、多くの女性がミディアムレングスにマイナスに反応しましたが、彼らは老化すると感じました。一方、パンツは全会一致で承認を得ました。ジーンズは、1970年代にアメリカのファッションシーンに受け入れられたことから最も利益を得ました。スポーツウエアの下でコレクションに取り入れられたことから生まれました。アメリカの既製服の新しいスターたちは、ヨーロッパから大規模なアメリカの衣服産業に学んだことの中で最高のものを採用しました。 Calvin KleinとRalph Laurenは、新世界の男性と女性のための服をデザインするという問題に多かれ少なかれ匿名で跳ね上がった。 1970年代にアメリカで2つの反対の動きが流行しました。一方では、ユニセックスな仕立てがありました。他方では、1930年代の魅力の強い感覚を持つ、体系化されていない体裁のあるスタイルです。当時最も影響力のあるアメリカのデザイナーRoy Halston Frowick（Halston）は、後者のカテゴリーに属していた。ニューヨークのシーンで有名人の地位を獲得した彼の特別な才能は、快適さ、自然さ、そしてリラクゼーションのコンセプトで特別な機会に作られた衣服を調整することでした。彼のkaftans、shirtwaisters、djellabas、超軽量シフトドレス、ショートパンツやワイドレギンスパンツで穿いたチュニックで、彼は時代の象徴となり、1977年に開店したStudio 54の VIPルーム。

彼のエレガントで洗練されたカットと白黒の使用で賞賛されたGeoffrey Beeneは、彼が卓越した根本的に単純化されたデザインで最も成功しました。彼のスマートな小さなドレスやジャージー、フランネル、ウールのよくカットされたスーツは、過度のアクセサリーからアメリカの女性を落胆させるのに役立った。1962年に彼自身の範囲を立ち上げたビル・ブラスは、顧客が望むことを自分自身で聞くために、アメリカ全土を旅する習慣を育んだ。当時最も人気のあるデザイナーの一人で、彼は顧客の望みを達成するにはあまりにも成功しました。彼の訓練されたスタイルと技量は、経済婦人と上級幹部の妻によって特に好まれていました。ベッツィ・ジョンソンブティックの道具の設計を始めました。ビニールやメタリックの生地を使用し、ウィット、想像力、独立性に重点を置いて、彼女は1970年代にニューヨークに未曾有の未曾有の精神をもたらしました。

人気のあるファッションでは、David BowieやMarc Bolanのようなロック・パフォーマーが着用する衣類のグラム・ロック・スタイルは、特に英国で非常に影響力がありました。デザイナーのElio Fiorucciはとてもよく似ていました。ミラノの彼のブティックは、明るい色のゴム製のブーツ、プラスチックのデイジーサンダル、偽の毛皮、ポップアートのようなものを販売しました。

1970年代に伝統的に「難しい」貿易の装飾、儀式、顧客基盤を変えることを目指して、新世代のメンズブティックが登場しました。 1960年代の終わりにファッショナブルな服を若い男に売ることは、多くのサークルで、彼の男らしさに疑問を呈することと同じです。 1970年代には、世紀全体よりも男性の外観が大きく変化しました。男性の顔に革命を起こしたファッションデザイナーの多くは、細い肩、タイトフィットのライン、ネクタイなし、インターフェイスなし、ジップアップボイラースーツ、ウエストジャケットまたはチュニック、時にはシャツの革新を多く受けました。作業服はあまりフォーマルなスタイルのインスピレーションを与え、デザイナーに伝統的なスーツを超えて見せてもらうようにしました。例えば、ユニセックスな外観を採用したり、ときには、この種の男性のドレッシングダウンは、しばしば「ヒッピー」と非難され、故意の外観として正式な認知を得ました。他の時代には、レトロな動きの一環として、1930年代のエレガンスの復活を導入しました。古い軍服、好ましくはカーキと米国からの発掘。英語スタイルの靴;オックスフォードシャツ;澄んだTシャツ。パッド付きショルダー付きツイードジャケット明るい色のVネックのセーター;ネックの周りにドレープされたカシミアプリントのスカーフは、カジュアル英語スタイルの靴;オックスフォードシャツ;澄んだTシャツ。パッド付きショルダー付きツイードジャケット明るい色のVネックのセーター;ネックの周りにドレープされたカシミアプリントのスカーフは、カジュアル英語スタイルの靴;オックスフォードシャツ;澄んだTシャツ。パッド付きショルダー付きツイードジャケット明るい色のVネックのセーター;ネックの周りにドレープされたカシミアプリントのスカーフは、カジュアル1970年代の終わりに男性のワードローブのbeatnikの外観。

また、期間中に起こったイタリアのファッションの発展も重要です。 1970年代には、既製品産業の結果、ミラノは国際ファッションの中心地としてパリ​​に次ぐ第2位の地位を確立しました。 「アルタ・モダ」は、バレンティーノ、カプチー、シェーンの拠点であるローマを好みました。反ファッションの支配的な傾向を利用して、イタリアはパリのオートクチュールの命令とは関係のない魅力を提供しました。はっきりと定義されたスタイルから利益を得ている間、イタリアのファッションは贅沢で着やすいです。当時のイタリア人ファッションデザイナーの中で最も影響力のあるデザイナーは、ジョルジオ・アルマーニとニーノ・セルチュティでした。ジョルジオ・アルマーニは1975年に女性向けの最初のコレクションを制作しました。当初から、このラインはダイナミックで、都市的で、控えめで、インスピレーションの中でアンドロジーでした。アルマーニは拘束されたスタイルを提案しました。これは現在、仕事の世界にアクセスできる女性の増加する人口に大きな魅力をもたらし、その中で徐々に上級職を占めています。これは、Emporio Armaniが立ち上げられた1981年に成果を上げた、すばらしいキャリアの始まりに過ぎません。 1957年、ニノ・セルトーティはメンズウェアのブティックのヒットマンをオープンミラノで。味と識別力のある男、1976年に彼は女性のための彼の最初のコレクションを発表しました。2年後、彼は最初の香水を発売しました。成功した実業家のキャリアと高品質のデザイナーのキャリアを結びつけるにあたり、Cerrutiはイタリアの着用に独特の地位を占めました。

20世紀後半
20世紀後半にファッションが急速に成長し、国際的な境界を超えました。人気のある西洋スタイルが世界中で採用され、西洋以外の多くのデザイナーがファッションに大きな影響を与えました。ライクラ/スパンデックスやビスコースなどの合成素材が広く使用され、ファッションは20年後に将来を見据えて、再びインスピレーションのために過去に回った。

1980年代
主な記事：1980年代のファッション
1980年代の社会は、もはや消費者主義者として批判されたのではなく、代わりに「光景」に関心を持っていた。 10年の自己意識的なイメージは、それほどモダンではなかったファッション業界にとって非常に良いものでした。ファッションショーは、メディアに満ちた壮観な姿に変身し、頻繁にテレビ放映され、ソーシャルカレンダーで最優先されました。外観はパフォーマンスに関連していました。これは、権力の欲求に関連する部分を見たいという若い都市の専門家全世代にとって非常に重要でした。最近のスタイルに関連した男性と女性が受動的な提出の問題ではなくなったが、ディスコ音楽は10年目になると急速に好まれなくなった。 1982年までに、1970年代のファッションの最後の痕跡はなくなった。

1980年代には、ムレは標準的な男性用のヘアカットになり、女性は大きな角型のパーマを披露しましたが、両方に多くのバリエーションがありました。ジャンプスーツは、女性の服や男性、スキニーネクタイ、ラップアラウンドサングラスの人気要素となりました。 80年代には、エアロビクスが流行っていたので、スパンデックスのレギンスやヘッドバンドにも取り入れられました。

期間の外観を最もよく定義した2人のフランスのファッションデザイナーは男とAzzedine Alaiaでした。劇場での初期のキャリアの影響を強く受けたティエリー・ムグラーは、ハリウッドレトロと未来主義、丸みを帯びた腰、鋭く強調された肩、銀河のヒロインの魅力を組み合わせたファッションデザインを制作しました。 Muglerの魅力的なドレスは驚異的な成功を収め、ヒッピー時代の終わりとその構造化されていないシルエットを示しました。彼の畏敬の念を抱かせる組み合わせで知られているAzzedine Alaiaは、1980年代の女性のシルエットに大きく影響しました。以前はオートクチュールにしか知られていなかったあらゆる種類のテクニックのマスターであり、スパンデックスやビスコースなど、多くの新しく未使用の材料を試していました。Alaiaの見た目の仕上がり、シンプルさ、そしてセクシーさは、あらゆる世代の女性が彼の魅力的なスタイルで識別し、1980年代にはある栄光を達成し、彼自身の職業のメンバーによって高く評価されました。

また、時代の典型的なデザインを作り出すのは、しばしば革製の堂々としたデザインのクロード・モンタナでした。ティエリー・ムグラーの未来の世界では見えませんでした。クリスチャン・ラクロワは、彼の飛行スカート、刺繍コーセレット、喧騒、フラメンコのリズムを呼び起こすポルカドットのクリノリンと、オートクチュールの世界。

多くの有望な新規参入者が1980年代にファッションシーンに入りました。Patoのために働いていた驚くべき技術者Angelo Tarlazziは、彼の「ハンカチ」ドレスで記者と顧客の両方を魅了しました。あなたがそれらを置くために来たときに布地の四角形で作られた、彼らは発散した、はるかに最初に登場よりも複雑になる。 1980年代のパリのソレイユの多くは、ドレスで活気があふれていて、縫い目が最小限に抑えられていました。シャンタル・トーマス（セクシー・ストッキングとレースの女王）は、彼女の魅惑的な下着や夜のドレスのように見える夜のガウンのために献身的な追いかけを受けました。ガイ・ポーリンシンプルで洗練された見た目を促進する最初のデザイナーの一人でした。彼の衣服は古典的なものであり、調和のとれた配色と微妙な色のパレットで補完されています。自分の名前の下に、ヨセフは中間色で緩い、セクシーな衣服を作成し、クラシックなラインに沿って贅沢なニットウェアを設計しました。長い間エレガントなジェットセットの一員として知られていたCarolina Herreraは、1981年に彼女自身のような女性を対象とした一連のコレクションを発表しました。

川久保玲、山本雄二などの日本のデザイナーは、その時代の流行のイメージを踏まえて一歩一歩を踏み出しました。フラットシューズ、メイク、リザーブ、謙虚さ、秘密は、このモダンな外観の特徴でした。最終的には、ヨーロッパの古代遺跡がファッションのアナキストによって再訪され、20世紀の終わりに伝説となった洋服の形に影響を与えたため、過去のファッションの詳細が含まれ始めました。

アメリカのファッションでは、ドナ・カランの魅力的で凝ったスタイルと、ラルフ・ローレンのカジュアルな洗練が非常に影響力を持っていました。ニューヨークの社会的シーンの一人、ドナ・カランは、アメリカのレディ・トゥ・ウェアを支配していた厳しい、冷たい色の、カジュアルな外観に非常に個人的で女性らしいアプローチをもたらしました。 1984年に彼女自身のレーベルを立ち上げた彼女のデザインは、控えめな服の高級感を大いに評価した活発な都市女性の間で即時の人気を獲得しました。 1971年、ビバリーヒルズの男性と女性のためのブティックをオープンしました。アメリカの平均的な価格で彼の貴族的なスタイルはセンセーションを作り出しました。あらゆる種類のアバンギャルドなファッションに直面したエリートのために、それは活発な生活のために採用されていた古典的な表情を裏付ける、合流点を表しました。ローレルは、アメリカのレディースウェア、スポーツウェアとジーンズでも同様に成功し、可能な限り幅広いソーシャルクラスと年齢層に到達することができました。

1978年に設立されたペリー・エリスのレーベルは、色とりどりの天然繊維を使って基本的なエレガントなバリエーションを生み出しています。Norma Kamaliは、スウェットシャツ、レオタード、ヘッドバンド、レッグウォーマーで作られた短いスカートを使用して、ジョギングをファッショナブルにしました。カマリも人気のある「ラ・ラ・スカート」を作りました。またの大人気注目すべきであるアディダスのヒップホップグループ扇動、1980年代にストリートクレドの信じられないほどのレベルを達成し、スポーツラベル、ランDMCの伝説的な靴のデザイナー1986年にシングル「マイアディダス」をリリースするマノロブラニクはまた、バラ1980年代に名声を得ました。

80年代に咲いた多くの傾向は、ファッション業界にとって非常に有利な楽観的な気分を大いに破壊した1990年代初めの景気後退によって縮小された。

1990年代
主な記事：1990年代のファッション
1990年代には、1970年代と1980年代の高度なモードとははっきりとは対照的に、ファッションに従うことはもはや終わりのないことでした。下着されている恐怖症は、過度の服従の恐れによって、ついに完全に移されました。 1990年代のファッションは、新しいスタンダード、ミニマリズムを基にして融合し、単純明快なスタイルが流行しました。かわいいドレスのフラッグを保つデザイナーの努力にもかかわらず、10年の終わりには、誇張された細部の概念は事実上消えていました。製品のスタイリングと同様に、メディアでのプロモーションは、その成功とイメージに不可欠でした。この10年間の財政的圧力は、新しい人材の育成に甚大な影響を及ぼし、より確立されたデザイナーが享受する自律性を低下させました。

20世紀末のファッションは、ファッションがこれまで受け入れていなかったテーマに取り組んだ。これらのテーマには、強姦、身体障害、宗教的暴力、死、身体の修正が含まれています。離れグラマラスを目的としたセクシーなスタイルからの劇的な動きがありました魔性の女ロマンチックな貧困のビジョンで撮影した1980年代の、そして多くのデザイナーは、荒涼、強情冷静パレットの服を着貧困waifのスタイルを採用メークアップがないフェイスで。The Gap、Banana Republic、Eddie Bauerなどの既製品小売業者による服は、快適で着用可能な服を求めていた女性のニーズに対応するため、ファッションの最前線に立ちました。レトロ 1960年代と1970年代に触発された衣服は1990年代の大部分に人気がありました。

有名なイタリアのファッションハウスGucciはGuccio Gucciによって1921年に創業され、もともと高級皮革製品を販売していた会社でした。Guccio Gucciの子供の下では、1960年代の終わりには、ラベルにはラテンの魅力がはっきりとした数多くの製品が含まれていました。しかし、1990年代になって、グッチの相続人がビジネスを回そうとしているインベストメント・コーポレーションの会社の支配を断念しただけで、現代にはそれが本当に楽しむようになりました。未知のデザイナー、Tom Fordを採用1994年のデザインディレクターとして、ファッションハウスには、シックでショッキングなコレクション、男性と女性向けの香水、改装されたブティック、広告キャンペーンで津波を誘発するなど、大きな威信が与えられました。 1998年、グッチはEuropean Business Press Federationから「今年のヨーロッパ企業」に選ばれました。[9]現在、BusinessWeek誌によると、世界で2番目に大きいファッションブランド（LVMH後）であり、2006年には世界的に70億ドルの収益を上げています。 [10]

1990年代、デザイナーのレーベルPradaはファッション業界で真の創造力となりました。ミラノの会社は、グッチの2年後の1923年に初めて設立されました。グッチのように、高品質の靴と革を販売していました。創業者の姪Miuccia Pradaが控えめで優雅な、しかし間違いなく豪華なスタイルの名声を得て、控え目な女性を喜ばせている特権的な若い女性を祝福したのは、既製ファッションを作り始めたのは1980年代まででした。豪華な贅沢。

アメリカでは、当時の最も影響力のあるファッションデザイナーの3人はマイケル・コルス、マーク・ジェイコブス、カルバン・クライン。マイケル・コルスは1980年に自身の事業を立ち上げました。しかし、1990年代になってデザイナーが彼の人気のピークに達しました。彼の知識とトレンドの意識は、洗練さと優雅さが、アメリカ人の裕福な顧客の皆様に、シンプルでシンプルな新しい流行に訴えかける、シンプルで丈夫な衣服を生み出すことができました。マークジェイコブスは、過去の多くのアメリカのファッションデザイナーと違って、ヨーロッパのデザイナーとしての大量生産服のコーディネーターではなかった。当時のファッション業界で最も有望な才能の1つであるLVMH（ルイ・ヴィトン・モエ・ヘンセイ）グループは、荷物専門家のデラックスな製品を補完する準備が整ったラインをデザインする仕事を彼に提案しましたルイヴィトン、1990年代後半。世界的な市場のグローバル化を先取りする最初のファッションデザイナーの一人である、すでに有名なデザイナー、カルバン・クラインは、ファッション、香水、アクセサリーを米国だけでなくヨーロッパやアジアでも販売し始め、 。華麗な芸術監督であるKleinは、1990年代の都会の若者の間で大衆的人気を獲得した洗練された機能的な大量生産されたデザインを促進するために、エロティックなイメージを含む慎重に構築された広告を使用しました。

「として知られているデザイナーのグループアントワープの6人は」（それらのすべてが中王立芸術アカデミーの卒業生だったので、そのように命名アントワープ最初の1980年代に登場し、）、1990年代に有名になりました。グループの最も影響力の3人はアン・デメレメススター、ドリーズ・ヴァン・ノッテン、ウォルター・ヴァン・ベイヤンドンク。 1991年の彼女の最初のコレクションからのアン・デメレメスターは、大きな自信と創造性を示しました。当然のことながら、控えめな表現に傾いている彼女は、矛盾のあるデザインを作り、彼女の体液と合理化されたファッションに対照的な要素を導入し、何よりも服を着た女性を喜ばせました。 Dries van Notenの作品は、若いデザイナーが非常に個人的なスタイルで幻想の控えめなタッチを加えた仕立て芸術の堅実な習得に基づいて設立されました。古典的で独創的であるように管理する彼のファッションは、傾向を忠実に追うのではなく、個性を表現することを好む人に訴えました。 1995年にファッションシーンに勃発したWalter Van Beirendonckは、彼のレーベルW＆LT（Wild and Lethal Trash）で未来的なデザインを生み出しました。非常に最新の技術によって開発された布地を故意に使用して、激しく色を対照して、彼は腐った思春期のユーモアで触れられたエロチックでサドマモス的な参照でいっぱいの服を作りました。彼の非常に特有のアプローチは反ファッションの復活に関連していましたが、今回はそのような強烈な挑発の展示にインスピレーションを与えたサイエンスフィクションに基づいて、代わりに、そのような強烈な挑発の表示のためのインスピレーションを提供したサイエンスフィクションに基づいています。代わりに、そのような強烈な挑発の表示のためのインスピレーションを提供したサイエンスフィクションに基づいています。

イタリアでは、輝かしい、セクシーでカラフルなデザインのGianni Versace、そしてスーパーフェミニンと幻想的なスタイルを持つDolce＆Gabbanaは、1990年代の大半を支配していた真剣で落ち着いたファッションから逃れました。イギリス人デザイナーヴィヴィアンウエストウッドは、18世紀の遊女とに触発衣装含まれ、1990年代初期に多くの影響力と人気のコレクションを作成マルキ・ド・サドの丸いお尻、コルセット、およびプラットフォームのかかとでは、。ロンドンを拠点とするデザイナーRifat Ozbek特にニューヨークとミラノでも人気がありました。インド、アフリカ、彼の母国トルコへの言及を混ぜ合わせた彼の若々しいスタイルは、歴史的な衣服を巧みに取り入れたもので、ヒップなナイトクラブを思い起こさせていました。ラップ音楽は、1990年代初期と中期の人気とストリートファッションに著しい影響を与えました。ヒップホップの信者は、アメリカ人の刑務所で身に着けられているものに似た、巨大な袋のようなジーンズを採用しました。ナイキのスポーツレーベルは人気が高く、ライクラ/スパンデックスなどの素材はスポーツウェアにますます使用されていました。シャネルのようなトップクチュールの家でさえも、エコ・アウェアネスと動物の権利が増えれば、偽の毛皮や天然繊維がコレクションに紹介されます。